En el panorama cinematográfico contemporáneo, surge un movimiento que redefine las fronteras del arte visual: el minimalismo. Este estilo no se centra únicamente en lo visible, sino que invita a los espectadores a reconstruir e imaginar más allá de la pantalla. La obra "La buena letra", dirigida por Celia Rico Clavellino, representa un ejemplo destacado de esta tendencia artística. Inspirada en la novela homónima de Rafael Chirbes, la película explora el silencio profundo de una generación femenina marcada por el franquismo. A través de detalles sutiles y acciones cotidianas, la protagonista interpreta un papel central aunque invisible, cuestionando la narrativa tradicional centrada en los hombres. Sin embargo, el filme enfrenta desafíos al equilibrar su propuesta minimalista con momentos de narrativa convencional.
La directora ha desarrollado este enfoque a lo largo de su carrera, destacándose en obras anteriores como "Viaje al cuarto de una madre" y "Los pequeños amores". Estas exploraban temas similares de silencio y heridas entre madres e hijas. En "La buena letra", ese silencio adquiere una dimensión universal al abarcar la experiencia colectiva de mujeres bajo un régimen opresivo. Ambientada en un pueblo valenciano tras la guerra civil, la trama sigue a una mujer interpretada por Loreto Mauleón quien, a pesar de sus sacrificios, permanece en segundo plano mientras los hombres protagonizan la acción principal.
A medida que transcurren los años, un personaje ausente regresa con una nueva compañera, simbolizando cambios en la forma de sobrevivir dentro de un sistema injusto. Este contraste resalta aún más la figura callada pero poderosa de la protagonista, cuya actuación es descrita como casi perfecta. La cámara captura detalles insignificantes aparentemente, como cocinar o coser, transformándolos en actos cargados de significado emocional.
Otro aspecto notable es cómo el cine español actual incorpora innovaciones estéticas. Por ejemplo, "Sorda", dirigida por Eva Libertad, utiliza colores vibrantes para evocar sensaciones auditivas, ofreciendo una experiencia única al espectador. Mientras tanto, "Jone, a veces", debut de Sara Fantova, combina sensualidad y existencialismo al narrar un duelo familiar durante festividades urbanas. Ambas películas demuestran cómo el cine puede ser tanto introspectivo como envolvente.
Aunque cada obra tiene su propio lenguaje visual, todas comparten una cualidad común: interpelan al espectador a participar activamente en la creación de significados. Este enfoque no solo amplifica la experiencia cinematográfica, sino que también subraya la importancia de recordar historias olvidadas. A través de su cuidadosa construcción de detalles mínimos, estas películas logran transmitir emociones profundas que resonarán con quienes las vean.